György Ligeti

Mysteries of the macabre….

El gran macabro (título original, Le Grand Macabre) es una ópera en dos actos (versión original, cuatro escenas en la versión revisada) con música de György Ligeti y libreto en alemán del propio compositor y Michael Meschke, basado libremente en la obra de teatro del autor belga Michel De Ghelderode La ballade du grand macabre. Se trata de la única ópera de Ligeti. Aquí una muestra en la voz de Barbara Hannigan con la sinfónica de Londres dirigida magistralmente por Sir Simon Rattle:


 

Ligeti nació en Dicsőszentmárton (en rumano Diciosânmartin, ahora Târnăveni), en la región de Transilvania (Rumania). Por aquel entonces, Dicsőszentmárton era un pueblo húngaro con una población de judíos. Ligeti contó que su primer contacto con el idioma rumano fue un día en que escuchó una conversación entre policías que hablaban dicho idioma, una experiencia incomprensible para el joven.

Ligeti recibió su primera educación musical en Cluj/Kolozsvár, una gran ciudad en el centro de Transilvania. Su educación se interrumpió en 1943 cuando, por su condición judía, fue forzado a trabajar para los nazis. Sus padres, su hermano y otros parientes fueron deportados al campo de concentración de Auschwitz; su padre murió en 1945 en el de Bergen-Belsen, su hermano el mismo año en el de Mauthausen. Su madre fue la única sobreviviente.

No sólo es conocido en los círculos musicales clásicos, sino también por el gran público, sobre todo gracias a que el director de cine Stanley Kubrick usó sus obras como parte de la banda sonora de varias de sus películas: 2001: Una odisea en el espacio, El resplandor y Eyes Wide Shut.

…tal día como hoy

…en 1896 moría en Frankfurt una de las grandes figuras de la música romántica, Clara Schumann, una de mis compositoras favoritas:Clara_Schumann_(Andreas_Staub)_freigestellt

“Alguna vez creí que tenía talento creativo, pero he renunciado a esta idea; una mujer no debe desear componer. Ninguna ha sido capaz de hacerlo, así que ¿por qué podría esperarlo yo?” Clara Schumann

Clara no era precisamente una mujer “feminista”; sin embargo, fue una mujer fuera de serie en muchos aspectos. En aquel entonces era frecuente encontrar “niñas prodigio” que tocaban muy bien obras de gran dificultad y conquistaban al público amante de la música. La mayoría de estas jóvenes, cuando llegaban a cierta edad, dejaban el concertismo y se dedicaban al hogar, a dar clases o a otras actividades musicales, alejadas de los escenarios. A diferencia de estas mujeres, la carrera de Clara continuó en los más altos niveles profesionales hasta pocos años antes de su muerte. Realizó alrededor de cuarenta giras de conciertos por el continente europeo y en todos lados era recibida con los más altos honores. Fue una profesional en el sentido económico también: cobraba dignamente, igual que los otros virtuosos de la época, pues fue por mucho tiempo el único soporte de la familia.

Cuando Clara tenía 11 años, llegó un músico 9 años mayor que ella a estudiar con Friedrich Wieck. Se trataba de Robert Schumann, quien era entonces un personaje desconocido con inclinaciones literarias, se iniciaba en la composición y que quería seguir la carrera de concertista. Robert se quedó a vivir en casa de su maestro, cosa frecuente en la época. Para entonces, Clara ya era bastante madura, probablemente por las experiencias que había tenido en su vida de concertista profesional; así que entre Robert y Clara se forjó una cálida amistad a pesar de la diferencia de edades. Pronto la amistad se transformó en amor y en 1837 pidieron permiso al padre de Clara para casarse, pues ella era menor de edad y tenía que esperar hasta cumplir 21 años o contar con el consentimiento de los padres, pero Friedrich Wieck se opuso, argumentando que Robert era un partido indeseable.

Clara Wieck y Robert Schumann se casaron un día antes de cumplir ella los 21 años de edad, lo que causó una batalla legal que no hubiese sucedido de haber esperado ambos un día más. Wieck nunca dudó del genio de R. Schumann (como lo testifica la correspondencia de Clara) pero no deseaba ver a su hija (quien había sido su más cara inversión) con un compositor sin reputación ni reconocimiento, sin un ingreso estable. Wieck creía que Robert no podría darle una vida digna a Clara. Entonces empezó una ardua batalla legal que fracturó la “perfecta” relación entre padre e hija. F. Wieck no pudo contener su orgullo, impugnó la decisión del tribunal pero imperó la decisión de los novios. (Robert logró comprobar su solvencia moral y económica) además de que su talento era innegable.

En aquella época lo común era que los compositores tocaran sus propias obras, como Liszt y Chopin. Pero Robert Schumann se lastimó una mano (al intentar usar un invento propio con el cual creía iba a mejorar el arte de tocar el piano) y tuvo que olvidar sus esperanzas de convertirse en pianista virtuoso, así que se dedicó a escribir música y a la crítica musical. Clara, desde muy joven, comenzó a tocar en público las obras de Robert, quien se dedicó a escribir en un inicio exclusivamente para piano y conjuntos de cámara pequeños, pero que triunfó como compositor con su primera sinfonía así como con sus obras de cámara.

Las obras de Robert están llenas de significados extramusicales, donde Clara aparece constantemente. Un ejemplo es en el Carnaval Op. 9, donde hay una pieza que se llama precisamente Chiarina, que, como “Chiara” o “Zilia”, es uno de los nombres con que Robert se refería a Clara. Una gran parte de las obras de Robert fueron dedicadas a Clara o fueron escritas con ella en mente. Fue igualmente la pianista que estrenó el Concierto para piano y orquesta en la menor de su marido en Leipzig en 1846.

Robert y Clara se amaban profundamente. Compartieron muchas cosas de su vida y de su música, que era para ambos parte fundamental de su existencia. Desde el día de su boda llevaron un diario en conjunto. Un poco después, la pareja escribió un conjunto de canciones, que Robert publicó ocultándoselo a Clara para presentárselas en su primer aniversario de matrimonio. Así, de las 12 canciones del Op. 37 de Robert Schumann, tres son de Clara.

Un Scherzo para Robert: En la navidad de 1841 Clara le regaló a Robert una pequeña pieza que acababa de componer. La obra estaba titulada Scherzo, que es una palabra italiana que significa “juego” o “broma”.

El Scherzo Op. 15, No. 4, al igual que la Toccatina, tiene forma ternaria (A B A). La parte inicial es viva, rítmica y juguetona como corresponde a un “scherzo”, y la parte media es mucho más melancólica que la primera.

Aquí os pongo un video de tres “lieder” de Clara, interpretados por Ljiljana Winkler, no sé quién es la pianista y la verdad es que no me gusta que en los videos solo figure el nombre de los cantantes como si los pianistas no tuvieran importancia, pero en este así es.

De los tres para mí el que más efecto causa es el último, “él ha venido bajo la tormenta y la lluvia”, es muy pasional.

 

Los castrati

Carlo-Broschi-Farinelli

Castrato es la denominación que se utiliza para referirse al cantante sometido de niño a una castración para conservar su voz aguda. El término tradicional español referido a estos cantantes era capón. Actualmente se emplea la voz italiana.

La castración consistía en la destrucción o ablación del tejido testicular sin que, por lo general, se llegara a cortar el pene. Mediante esta intervención traumática, se conseguía que los niños que ya habían demostrado tener especiales dotes para el canto mantuvieran, de adultos, una tesitura aguda capaz de interpretar voces características de papeles femeninos.

La práctica de la castración de niños cantores existía desde la creación del Imperio Romano de Oriente; en Constantinopla hacia el 400 d.C., la emperatriz romana consorte de Oriente Elia Eudoxia tenía un coro cuyo maestro era un eunuco, lo que podría haber dado lugar al establecimiento de la creación y uso de castrati en coros bizantinos. Hacia el siglo IX, los cantores eunucos eran bien conocidos, y así permanecieron hasta el saqueo de Constantinopla por las fuerzas occidentales de la Cuarta Cruzada en 1204, a partir de entonces, la práctica de cantores eunucos desapareció.

Su destino desde entonces hasta su reaparición en Italia después de trescientos años no está claro. Parece probable que la tradición española de los sopranos falsetistas puede haber ocultado a los castrati. Gran parte de España estaba bajo gobierno musulmán durante la Edad Media, y en la tradición cultural del Cercano Oriente la castración tenía una larga historia. Típicamente, los eunucos eran empleados como “guardias” del harén, pero fueron también valorados como políticos de alto nivel, ya que no podían iniciar una dinastía que pusiera en peligro al gobierno.

Los castrati tuvieron una gran popularidad y llegaron a cobrar enormes cantidades de dinero por sus actuaciones.

Algunas objeciones modernas a la existencia de castrati en Europa podrían centrarse en los medios por los cuales la preparación de los futuros cantantes podría conducir a una muerte prematura. Para evitar que el niño experimenta el dolor intenso de la castración, a muchos se les administraba inadvertidamente dosis letales de opio o de algún otro narcótico, o morían por estrangulamiento, al presionarles la arteria carótida en el cuello con la intención de hacerlos caer inconscientes durante el procedimiento de castración.

La formación de los castrati era rigurosa. El régimen de una escuela de canto en Roma (hacia 1700) consistía en una hora de cantar piezas difíciles e incómodas, una hora practicando trinos, una hora en ejercicio adornado passaggi, una hora de ejercicios de canto en presencia de su maestro y delante de un espejo a fin de evitar movimientos innecesarios del cuerpo o muecas faciales, y una hora de estudio literario, todo ello, además, antes del almuerzo. Después de media hora, se dedicaba a la teoría musical, otra a la escritura de contrapunto, una hora copiando lo mismo al dictado, y otra hora de estudio literario. Durante el resto del día, los jóvenes castrati tenían que encontrar tiempo para practicar su juego clave, y para componer música vocal, ya sea sacra o secular dependiendo de su inclinación.

En las décadas de 1720 y 1730, en el apogeo de la moda de estas voces, se ha estimado que más de 4.000 niños fueron castrados anualmente al servicio del arte. Muchos provenían de hogares pobres y fueron castrados por sus padres con la esperanza de que su hijo pudiera tener éxito y sacarles de la pobreza. Hay, registros de algunos jóvenes que solicitaron voluntariamente ser operados para preservar su voz.

Los castrati aunaban en su voz la ternura de un niño y la potencia y fuerza de un adulto. Fueron voces muy codiciadas y aplaudidas. Uno de los más famosos castrati fue Carlo Broschi, Farinelli, al cual pertenece la foto que he puesto al principio.

En el siglo XIX, los cambios en los gustos operísticos y las actitudes sociales significaron el final de los castrati. El último gran castrato fue Giovanni Battista Velluti (1781-1861), quien realizó la última función de ópera escrita por un castrato (Venecia, 1824). Poco después fueron reemplazados definitivamente como los primeros hombres de la escena operística por un nuevo grupo de tenores, el primero de ellos el francés Gilbert-Louis Duprez. Sus sucesores han incluido cantantes como Enrico Caruso, Giovanni Martinelli, Beniamino Gigli, Franco Corelli o Luciano Pavarotti, entre otros.

Después de la unificación de Italia en 1861, la castración con fines musicales se hizo oficialmente ilegal. En 1878, el Papa León XIII prohibió la contratación de nuevos castrati por parte de la iglesia: sólo en la Capilla Sixtina y en algunas otras basílicas papales de Roma se permitió a los castrati quedarse. Una foto del coro de la Capilla Sixtina tomada en 1898 muestra que para entonces solo quedaban seis (además del Perpetuo Direttore, Domenico Mustafa), y en 1902 una sentencia del Papa León estableció que ningún castrato más sería admitido. El fin oficial de los castrati llegó el día de Santa Cecilia, 22 de noviembre de 1903, cuando el nuevo Papa, Pío X, emitió un motu proprio, titulado Tra le Sollecitudini, en el que establecía el uso de niños en los papeles empleados para los castrati.

El último castrato sixtino fue Alessandro Moreschi, el único castrato en realizar grabaciones en solitario. Se retiró oficialmente en marzo de 1913, y murió en 1922.

Sobre Farinelli (Riccardo Broschi) se hizo en el año 1994 una película en la que la voz de Dionisi interpretando a Farinelli, fue obtenida mediante la mezcla digital de las voces de Ewa Malas-Godlewska, una soprano de origen polaco, y Derek Lee Ragin un contratenor estadounidense, con el objetivo de recrear una voz auténtica de castrato.

Aquí os dejo un fragmento de esta película, que no creo que sea demasiado fiel a la realidad pero que no deja de ser interesante, espero que os guste:


 

 

 

Dmitri Hvorostovsky

Dmitri Aleksándrovich Jvorostovski (en ruso Дми́трий Алекса́ндрович Хворосто́вский; 1962, Krasnoyarsk) – es un barítono ruso.

Desde que ganó el concurso Singer of the World en Cardiff, venciendo al galés Bryn Terfel ha desarrollado una brillante carrera que lo ha llevado a actuar en los principales teatros y salas de conciertos del mundo.

Se ha presentado en las grandes casas líricas del mundo como el Met de New York,La Scala de Milán y el Teatro Colón de Buenos Aires donde cantó La Favorita en 1995 y Eugenio Onegin en 1997.

Posee una voz de gran amplitud y facilidad para los graves, excelente planta escénica y ha basado su repertorio principalmente en obras rusas e italianas. Sus roles principales son en las óperas Eugenio Onegin, La dama de picas, Guerra y paz, El demonio, Don Giovanni, Las bodas de Fígaro, Carmen, La Traviata, Il Trovatore, Simón Boccanegra, y Rigoletto.

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En este video interpreta el famosísimo aria de “Il barbiere di Siviglia” de Gioachnno Rossini “largo al factotum”, disfrutad de esta voz cargada de matices:

María Callas

Hoy hace 36 años que nos dejó la soprano griega María Callas, gran músico, artista, mujer… y además así de guapa:

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Ana María Cecilia Sofía Kalogeropoúlou (en griego Άννα Μαρία Καικιλία Σοφία Καλογεροπούλου) (Nueva York, 2 de diciembre de 1923 – París, 16 de septiembre de 1977), conocida como María Callas, fue una soprano griega nacida en Estados Unidos, considerada la cantante de ópera más eminente del siglo XX. Capaz de revivir el bel canto en su corta pero importante carrera, fue llamada (como antes la célebre Claudia Muzio) «la Divina». Su nombre está asociado en la memoria colectiva a Aristóteles Onassis, el gran amor de su vida.

El debut de Maria fue en febrero de 1942, en el Teatro Lírico Nacional de Atenas, con la opereta Boccaccio. El primer éxito lo tendría en agosto de 1942 con Tosca, en la Ópera de Atenas.

Sus éxitos no fueron muchos hasta que la quiso escuchar Edward Johnson, el director general del Metropolitan Opera House, quien le ofreció inmediatamente los principales papeles en dos producciones en las temporadas de 1946–1947: Fidelio, de Ludwig van Beethoven, y Madama Butterfly, de Giacomo Puccini. Para sorpresa de Johnson, Maria rechazó los papeles: no quería cantar Fidelio en inglés, y consideraba que el rol de Butterfly no era el mejor para su debut en América.

En 1949, Maria Callas conoció a Giovanni Meneghini con el que se casó. Giovanni Meneghini junto a Tullio Serafin guiaron su carrera. Estuvieron diez años casados.

Hizo su debut en La Scala de Milán en 1950 con la representación de Aida. Su primera aparición en Nueva York fue en 1956 representando la ópera de Bellini Norma, un papel que se convirtió en su especialidad.

Maria Callas estuvo siempre muy interesada en revitalizar aquellas óperas que habían sido olvidadas, representando obras olvidadas de Cherubini, Gluck, Haydn y Spontini. Trabajó con algunos de los más importantes directores de escena y orquesta del momento, destacando Luchino Visconti, Leonard Bernstein, Carlo Maria Giulini y Herbert von Karajan. También desarrolló una gran relación musical con gran cantidad de cantantes, principalmente con el tenor Giuseppe di Stefano y el barítono Tito Gobbi, apareciendo con mucha frecuencia en escena y en grabaciones. Maria Callas era extremadamente autocrítica y temperamental por lo que tenía frecuentes altercados con empresarios y directores de los teatros.

En 1959, Maria Callas conoció al naviero griego Aristóteles Onassis, abandonando a su marido Giovanni Meneghini. Tuvo un breve retiro durante esta relación pero cuando volvió de nuevo a escena, su voz evidenciaba signos de decaimiento. En 1965, realizó su última representación operística con Tosca en el Covent Garden de Londres. En ese momento tenía 41 años. Tres años más tarde, Aristóteles Onassis dejó a Maria Callas por Jacqueline Kennedy.

Durante la última década de su vida, vivió prácticamente recluida en París. Realizó pequeñas apariciones con di Stefano e impartió una serie de clases maestras en el Juilliard School de Nueva York entre los años 1971 y 1972. Murió en París el 16 de Septiembre de 1977. La causa de su muerte nunca estuvo totalmente determinada.

Aquí está en 1958 cantando “Casta Diva” de la ópera Norma de Vincenzo Bellini, incomparable y bellísima, siempre estará viva:

Contraltos

Contralto es la voz femenina más grave, y destaca por la rica sonoridad y amplitud de su registro grave. El término también se usa como sinónimo para la persona que canta con esa voz.

Algunos videos de contraltos:

Mariana Pentcheva, Un ballo in maschera, Verdi

Kathleen Ferrier, Ombra mai fu, Händel

Elina Garanca, I Capuleti e i Montecchi, Bellini

Algunos de los papeles para contralto más importantes en ópera son:

  • Angelina, en La ceneréntola (Rossini).*
  • Art Banker, en Facing Goya (Michael Nyman).
  • Auntie, dueña de la taberna The Boar, en Peter Grimes (Britten).*
  • Azucena, en Il trovatore (Verdi).*
  • Bradamante, en Alcina (Händel).*
  • La baronesa, Vanessa (Barber).
  • La cieca, La Gioconda (Ponchielli).
  • La condesa Helfenstein, en Matías el pintor (Paul Hindemith).
  • Cornelia, en Giulio Cesare (Händel).
  • Didone, en L’Egisto (Francesco Cavalli).
  • Erda, en El oro del Rin, Sigfrido (Wagner).
  • Fides, en Le prophete (Giacomo Meyerbeer).
  • Madame Flora, en The medium (Gian Carlo Menotti).
  • Gloria Mills, en Axel an der Himmelstür (Ralph Benatzky).
  • Katisha, en El mikado (Gilbert y Sullivan).
  • Klytemnestra, Elektra (Richard Strauss).*
  • Madre, en The consul (Menotti).
  • Madre Goose, en The rake’s progress (Ígor Stravinski).
  • Magdalena, en Rigoletto (Verdi).*
  • Malcolm, en La dama del lago (Gioacchino Rossini).*
  • Mama Lucía, en Cavalleria rusticana (Mascagni).
  • Margret, en Wozzeck (Alban Berg).
  • Mary, El holandés errante (Wagner).*
  • Olga, Eugenio Oneguin (Chaikovski).*
  • Orfeo, en Orfeo ed Euridice (Gluck).
  • Lel, en La reina de las nieves (Nikolái Rimski-Kórsakov).
  • Little Buttercup, en H.M.S. Pinafore (Gilbert y Sullivan).
  • Lucretia, en La violación de Lucrecia (Britten).
  • El noble Orsini, Lucrezia Borgia (Donizetti).
  • Pauline, en La dama de picas (Chaikovski).
  • La principessa, en Suor Angelica (Giacomo Puccini).
  • Mrs. Quickly, Falstaff (Verdi).
  • Rosina, en El barbero de Sevilla (Gioacchino Rossini).*
  • Ruth, en The pirates of penzance (Gilbert y Sullivan).
  • Ulrica, en Un ballo in maschera (Verdi).
  • Una mujer enferma, en Moisés y Aarón (Arnold Schoenberg)
  • Widow Begbick, en Ascensión y caída de la ciudad de Mahagonny (Kurt Weill).*

 

Tal día como hoy…

…26 de mayo, pero en 1914 se estrenaba en el teatro de la Opera de París El ruiseñor (en ruso: Соловей, en francés: Le rossignol) que es un conte lyrique ruso en tres actos con música de Ígor Stravinski. Se conoce normalmente por su título en francés. El libreto, basado en el cuento El ruiseñor de Hans Christian Andersen, fue escrito por el compositor y Stepán Mitusov.

le rossignol

El lugar es la antigua China. El pescador (tenor) actúa como un comentarista de los acontecimientos de la historia.

Acto I

A orillas del mar, justo antes de que amanezca, un pescador oye la canción del ruiseñor, que le hace olvidar sus preocupaciones. La cocinera (soprano) ha traído oficiales de la corte del emperador a oír al ruiseñor (soprano), hablando de la belleza de su canto. Sin embargo, el ruiseñor no está en ningún sitio que se le pueda oír. El chambelán de la corte (barítono) promete a la cocinera un cargo como cocinera particular del emperador, si ella puede encontrar al ruiseñor. Al final el ruiseñor aparece, y recibe una invitación de la cocinera y del chambelán para cantar ante el emperador. El ruiseñor acepta la invitación, pero dice que la canción más dulce es en el bosque.

Acto II

Los cortesanos adornan el palacio con linternas anticipándose al canto del ruiseñor. La cocinera habla a los cortesanos del ruiseñor, que es pequeño, gris y virtualmente invisible, pero que su canto hace llorar a los oyentes. Una procesión anuncia la llegada del emperdor, y el emperador (bajo-barítono) manda al ruiseñor que cante. El canto afecta al emperador profundamente, y ofrece al ave un premio de una zapatilla dorada para llevar alrededor de su cuello. Más tarde, tres embajadores japoneses ofrecen al emperador un ruiseñor mecánico, que empieza a cantar. El auténtico ave se escapa volando, y el enojado emperador ordena que lo destierren de su reino. Nombra al pájaro mecánico “primer cantante”.

Acto III

El emperador está enfermo y próximo a la muerte. La figura de la Muerte está en la cámara del emperador. Los fantasmas de las hazañas pasadas del emperador lo visitan. El emperador llama a los músicos de la corte, pero el auténtico ruiseñor ha reaparecido, desafiando el edicvto imperial, y empieza a cantar. La muerte (contralto) oye la canción del ruiseñor y queda hondamente conmovida, y le pide que continúe. El ruiseñor se muestra conforme, con la condición de que la muerte devuelva al emperador su corona, su espada y su estandarte. La muerte consiente y poco a poco se aleja de la escena mientras el ruiseñor sigue cantando. El emperador recupera su fuerza poco a poco, y al ver al ruiseñor, le ofrece el puesto de “primera cantante” en la corte. El ruiseñor dice que está satisfecho con las lágrimas del emperador como premio, y promete cantar para él todas las noches desde el ocaso hasta el amanecer.

Os dejo esta versión del aria de la soprano del primer acto, esta ópera es una buena opción para acercarse a Stravinsky para quien no lo tenga entre sus asiduos.

Barbara Hannigan, soprano  · Pierre Boulez, director · Berliner Philharmoniker.

Curiosidades operísticas

Algunas cositas que quizá os interesen, feliz sábado!!!!!!!!

* La palabra ópera significa “obra” en italiano.
* Las palabras que forman el texto de una ópera se les conoce como el
libretto (literalmente “libro pequeño”). Algunos compositores, en
particular Richard Wagner, escribieron sus propios libretos para sus
óperas.
* Durante el siglo XVII, a las mujeres no se les permitía cantar en el
escenario, ni siquiera en un coro. Esta tarea les correspondía a los
cantantes castrados, o castrati.
* La ópera más corta sólo tiene siete minutos de duración y es la de
Darius Milhaud, La liberación de Teseo.
* Los compositores de ópera a veces contrataban a un grupo de personas
para animar sus obras o hacer bulla en las obras de sus rivales.
* Dafne, de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera,
tal como se entiende hoy en día. Fue escrita alrededor de 1597.
* La primera ópera que aún se presenta regularmente, es L’Orfeo de
Claudio Monteverdi, compuesta para la corte de Mantua en 1607.
* Mozart escribió su primera ópera, Bastien und Bastienne, cuando sólo
tenía 12 años de edad.
* Beethoven sólo escribió una ópera, Fidelio.
* Wagner creó el “Leitmotiv” (o el tema principal), que es un tema
musical que se asocia con un personaje principal.
* Silbar en una ópera en Europa es un signo de desaprobación.
* Gioacchino Rossini (1792-1868) escribió una de las óperas más
famosas, El Barbero de Sevilla, en sólo dos semanas.
* Enrico Caruso (1873-1921), posiblemente el mejor cantante de ópera
de todos los tiempos, fue el 18 de 21 niños, sólo tres de los cuales
vivieron más allá de la infancia.
* Luciano Pavarotti recibió 165 llamadas de cortina el 24 de febrero
de 1988, después de cantar L’elisir d’amore (Elíxir de Amor) de
Donizetti, en Berlín.
* Las contraltos pertenecen a la más rara categoría de voz femenina. A
menudo se les asignan papeles originalmente escrito para castrati, o
cantantes masculinos que eran castrados antes de la pubertad.

Recomendaciones

 

Cursos de verano para cantantes y repertoristas ofertados por la escuela superior de canto de Madrid, por si son del interés de alguien aquí dejo en enlace a la página:

http://aaescm.com/iv-cursos-internacionales-escuela-de-verano-2013/cursos/

Como curiosidad:

cantar opera

Escuchad a esta mezzo-soprano sueca, Malena Erman

Y la sensualidad y belleza de esta soprano lituana, Anna Netrebko, os la recomiendo